​Un message de courage universel

Au-delà de l'expérience personnelle de l'artiste, "Les voiles" se veut porteur d'un message à portée universelle. Le titre aborde la difficulté, mais aussi la nécessité, d'écouter cette petite voix intérieure souvent étouffée par le quotidien ou les conventions. ​Le morceau devient ainsi une métaphore du changement de trajectoire : le courage de quitter un port sécurisant pour suivre une intuition qui nous définit réellement. ​En dévoilant ce premier pan de son univers, Wahil propose une invitation à la résilience et à l'authenticité, marquant le début d'un voyage musical qui semble déjà trouver son propre cap.

​Une ascension guidée par les icônes

L'histoire d'amour entre Just Yola et la musique ne date pas d'hier. Dès l'âge de trois ans, sa famille décèle en elle un don rare. Bercée par les voix légendaires de Toni Braxton, Brandy et Jazmine Sullivan, elle a su forger un son unique : un mélange sophistiqué de soul classique et de RnB moderne. ​Après avoir parcouru les scènes américaines, captivant les foules par sa présence magnétique, Just Yola a trouvé dans l'écriture un véritable sanctuaire. En 2025, elle a marqué les esprits avec son EP de Noël "This Christmas With You" et son projet visuel acclamé "Notes From the Heart", prouvant sa capacité à transformer ses expériences de vie en récits cinématographiques.

​"Day 1's" : un hommage à ceux qui restent

Son nouveau titre, "Day 1's", est une fusion fluide entre le RnB et le hip-hop. Ancré dans une production mélodique chaleureuse agrémentée de subtiles influences trap, le morceau explore les thèmes de la croissance personnelle et de la fidélité. ​« C'est une narration émouvante alliée à une prestation confiante qui se veut à la fois personnelle et universellement accessible ». ​À travers ce titre, Just Yola ne se contente pas de chanter ; elle célèbre son cercle proche, cette "famille créative" qui la soutient depuis ses débuts. Pour elle, la musique est un sport d'équipe, et son équipe est son tout.

​2026 : l'année de la consécration

​L'année 2026 s'annonce comme un tournant majeur pour l'artiste avec l'arrivée prévue de son tout premier album complet. Ce projet promet d'être une évolution audacieuse et sincère, reflétant sa vision artistique et son identité profonde. ​Plus qu'une simple chanteuse, Just Yola est une artiste qui marche dans son destin, rappelant à chaque note que l'authenticité est la clé de la longévité dans une industrie en constante mutation.

​Certains destins ne se laissent pas détourner si facilement. Pour Wahil, l'appel de la scène a toujours été une boussole, même quand les vents contraires de l'actualité mondiale semblaient avoir éteint ses espoirs. Révélé au grand public lors de la saison anniversaire des 10 ans de The Voice en 2021, cet ancien professeur des écoles s'apprête aujourd'hui à marquer un tournant décisif dans sa carrière avec la sortie de son premier single. ​Le parcours de Wahil est marqué par une alternance cruelle entre opportunités fulgurantes et freins brutaux. Après l'éclat des projecteurs de TF1, l'artiste voit ses rêves s'envoler momentanément, fauché par la crise sanitaire qui paralyse le monde de la culture. Contraint de retourner à son quotidien d'enseignant, il vit deux années de faux-semblants. Un « burn-out » plus tard, le constat est sans appel : sa place n'est pas devant un tableau noir, mais sous les projecteurs.

​« J'ai failli passer à côté de ma vie ».

​Cette phrase, lourde de sens, résume l'urgence qui anime désormais l'artiste. En quittant définitivement la sécurité de son poste pour se consacrer à son rêve, Wahil a choisi la vérité plutôt que le confort. Ce conflit intérieur entre la raison et la passion est au cœur de son premier titre, "Les voiles", dont la sortie est prévue pour le 15 mai 2026.

​Un univers entre soul et variété française

Musicalement, Wahil se positionne dans un créneau de nouvelle variété française teintée de soul. Sa voix, décrite comme puissante, agile et profondément sensible, sert de vecteur à des émotions intenses. Pour ce premier single, il s'est entouré des talents de Léo Guyard et Allister Thepault, venus sublimer une composition et des textes signés par Wahil lui-même. Le titre ​"Les voiles" ne se veut pas seulement une chanson autobiographique, mais un message universel de courage. C'est une invitation à écouter cette petite voix intérieure qui, parfois, nous pousse à changer radicalement de cap pour être enfin en accord avec soi-même. ​À travers ce projet, Wahil construit un univers où chaque note raconte un moment de vie. Entre doute, espoir et vérité, il cherche à reconnecter son public à l'essentiel. Rendez-vous le 15 mai 2026 sur toutes les plateformes de streaming pour découvrir cette voix qui refuse désormais de se taire.

​Écouter Nomelo, c'est s'offrir une parenthèse sensorielle. Sa musique possède cette capacité rare de retranscrire la douce chaleur des journées de juin et l'euphorie électrique des nuits de juillet, quel que soit le calendrier. ​Inspiré par son quotidien et porté par des valeurs de partage et de transmission, il puise sa force dans son cercle proche : sa famille et ses amis. Mais c'est aussi du côté de l'héritage de Mac Miller que l'on retrouve cette approche décontractée et sincère de la création. Pour Nomelo, la musique n'est pas un simple produit, c'est une connexion humaine.

​Un artisan du son "entier"

​Artiste complet, Nomelo ne délègue rien. Depuis ses 18 ans, il écrit, compose et produit ses propres morceaux. Cette démarche d'autodidacte lui permet de garder une identité sonore pure et une liberté totale. Son objectif ? Contaminer son audience avec une énergie résolument positive.

​"Young Idylle" : le banger de la nostalgie

​Avec le titre "Young Idylle", Nomelo frappe fort. Véritable "banger" à l'efficacité redoutable, le morceau explore le territoire universel des premiers émois. ​Le titre capture l'essence même des amours d'adolescence : cette intensité brute, cette insouciance et ce sentiment que tout est possible. Entre une production léchée et une mélodie entêtante, "Young Idylle" confirme le statut de Nomelo comme l'un des artistes les plus solaires à suivre de près cette année. ​Nomelo est déjà disponible sur toutes les plateformes de streaming. Préparez-vous à laisser entrer le soleil.

​Une quête de vérité

​"Free" ne se contente pas de divertir ; il interroge. Le morceau capture ce moment charnière où l'individu décide de se libérer du poids des attentes extérieures pour privilégier la connexion authentique et la présence à soi-même. C'est une œuvre de maturité qui place la vérité au centre du processus créatif, offrant une profondeur psychologique rare dans le paysage musical actuel.

​L'héritage de Philadelphie

Musicalement, "Free" est une déclaration d'amour à l'âge d'or de la soul. Le duo puise avec brio dans les traditions de la "Philly Soul" (le son de Philadelphie), caractérisée par des arrangements de cordes soyeux et des cuivres chaleureux. ​Pourtant, loin de n'être qu'un simple exercice de nostalgie, le titre propose une relecture moderne du genre. La production, à la fois ample et minimaliste dans ses moments les plus poignants, permet aux voix de s'exprimer avec une clarté désarmante.

​Un duo au sommet de son art

​Avec cette sortie, Raye & Marlowe prouvent qu'ils ne sont pas seulement des interprètes talentueux, mais de véritables architectes sonores capables de transformer l'introspection en une expérience universelle. "Free" est plus qu'une chanson : c'est un souffle libérateur qui confirme la place prééminente du duo dans la soul sophistiquée d'aujourd'hui.

​Un parcours guidé par la passion

​Née et élevée sur sa terre natale, Shadow baigne dans la musique depuis son plus jeune âge. Si ses premières tentatives de jeunesse n'ont pas abouti comme elle l'espérait, ces expériences ont forgé la détermination de l'artiste que nous découvrons aujourd'hui. Désormais prête à franchir les portes de la scène urbaine, elle arrive avec une maturité artistique qui lui permet d'assumer pleinement sa vision. ​Bien qu'elle soit allergique aux "cases" et aux classifications restrictives, Shadow définit son univers comme un mélange subtil de RnB et de sonorités caribéennes. C'est une musique pensée par une femme, pour les femmes, portée par une douceur mélodique qui contraste avec la force des thèmes abordés.

​"Mes failles" : l'hymne à la vulnérabilité

Son titre "Mes failles" est une véritable mise à nu. À travers ce morceau RnB moderne à l'atmosphère mélancolique, Shadow explore les zones d'ombre d'une relation complexe. Le titre traite d'un sujet encore trop peu représenté dans la musique actuelle : le tiraillement d'une femme confrontée à l'infidélité, qui finit par tomber amoureuse de sa maîtresse. Le morceau navigue entre le désir et le poids des conséquences. Au-delà de l'acte, c'est une quête de vérité intérieure et de compréhension de ses propres sentiments. Shadow donne une place centrale aux histoires d'amour entre femmes, offrant une perspective intime et moderne.

​Une identité artistique affirmée

Avec une interprétation sensible et habitée, Shadow ne cherche pas à juger, mais à exposer l'humanité dans ce qu'elle a de plus fragile. "Mes failles" n'est pas seulement un titre musical, c'est une invitation à accepter ces moments où l'on vacille entre l'émotion pure et le sens du devoir. ​En mêlant l'authenticité de son parcours martiniquais à une esthétique sonore actuelle, Shadow s'impose comme une artiste nécessaire, dont la voix forte et honnête promet de résonner bien au-delà des frontières de l'île.

​L'art du dernier adieu

​Son nouveau single, "One Last Kiss", est une immersion dans la vulnérabilité pure. Le morceau capture cet instant suspendu, presque cinématographique, où deux êtres réalisent que leur histoire touche à sa fin. Ce n'est pas le tumulte de la rupture que Mysledsoulz a choisi de peindre, mais plutôt ce moment de calme solennel où l'amour s'exprime une ultime fois avant la séparation. ​Sur le plan sonore, le titre est une ode à la chaleur organique avec des accords de piano électrique qui enveloppent l'auditeur, une assise rythmique qui souligne la gravité du propos, des textures vocales et instrumentales inspirées des classiques du genre et une rythmique qui ancre le morceau dans une modernité irrésistible.

​Une vision qui dépasse le streaming

​Pour Mysledsoulz, la musique ne doit pas être une simple donnée numérique destinée à disparaître dans les algorithmes. Son ambition est de créer des pièces intemporelles, capables de vivre à travers différents formats et supports. ​« Je m'attache à composer des chansons aux fortes émotions, capables de transcender le streaming, que ce soit par des réenregistrements, des placements musicaux ou des clips », déclare-t-il.

​Un projet sous le signe de l'authenticité

​"One Last Kiss" n'est que le premier chapitre d'un projet plus vaste. À travers ses prochaines compositions, Mysledsoulz explore les thématiques de l'amour, de la vulnérabilité et de la sincérité. En remettant l'instrumentation chaleureuse et le récit soul au centre du jeu, il s'adresse à ceux qui cherchent dans la musique un écho à leur propre vécu. ​Avec ce nouveau titre, Mysledsoulz confirme son statut d'architecte sonore, prouvant que la neo soul a encore de magnifiques histoires à raconter. ​"One Last Kiss" est désormais disponible sur toutes les plateformes de streaming.

Les garçons c'est plus facile, les filles c'est plus réel

Le projet aborde des thèmes liés à l'amour et à la déception, mais s'articule surtout autour d'une idée centrale : la confiance en soi féminine lors de ces épreuves. Une manière de poser les choses sans détour, avec une artiste qui assume autant ses faiblesses que ses prises de position. L'idée que "l'amour ne suffit pas toujours pour rester" traverse plusieurs morceaux, et ouvre une réflexion plus large sur ce qui fait tenir une relation. Edaya développe un univers réel, avec ce côté "féminine attitude" qui s'impose progressivement tout au long de la galette.

Des premiers signaux avant la sortie

Avant même l'EP, certains titres ont commencé à tourner. "Noumi", sorti en 2025, cumule déjà plus de 145 000 écoutes sur Spotify. Elle a également été récompensée en 2024 aux Golden Afro Artistic Awards, avec un prix d'artiste émergente. Projet disponible depuis le 29 avril 2026.

​Une nostalgie assumée et modernisée

​Avec "Brad Pitt", Navyy propose un voyage musical au cœur des années 2000. Le morceau se distingue par une production soignée, mêlant un groove percutant à une énergie maîtrisée. Loin d'être une simple imitation du passé, le titre s'inscrit dans la nouvelle vague du RnB francophone, capturant l'essence de la nostalgie pour mieux la mettre au service des usages actuels.

​Le jeu de la séduction et de la vulnérabilité

​Le texte explore un moment universel : celui de la rencontre initiale, marquée par le magnétisme d'un regard et le poids de l'hésitation. Navyy y campe un personnage nuancé, oscillant entre assurance et vulnérabilité. ​Le refrain, véritable pivot du morceau, s'impose par son efficacité : ​« J'aime la façon dont tu bouges, donne-moi juste un rendez-vous... »

​Ce choix de paroles directes souligne une volonté de revenir à une forme d'authenticité émotionnelle, privilégiant l'intention et le ressenti à la démonstration pure.

​Une stratégie visuelle ancrée dans son époque

​La sortie de "Brad Pitt" ne se limite pas à l'audio. Navyy accompagne ce lancement d'une narration visuelle adaptée aux réseaux sociaux. À travers une série de contenus courts, l'artiste développe un storytelling autour du désir et du rapprochement progressif, renforçant l'immersion des auditeurs dans son univers. ​En résumé, "Brad Pitt" est un morceau taillé pour séduire, confirmant la place de Navyy parmi les artistes à suivre de cette scène RnB en pleine mutation.

​Composé de 13 titres, ce nouvel opus est une plongée sans fard dans l'intimité de l'artiste. Plus qu'un simple recueil de chansons, Ebony Riley propose ici un voyage introspectif où elle explore ses doutes, ses luttes internes et, finalement, sa propre libération.

​Se confronter à ses démons ​

L'album s'ouvre sur le morceau puissant "Sick Of Me", qui donne immédiatement le ton. Dans ce titre, Ebony Riley ne détourne pas le regard face à ses propres insécurités. Elle y interroge frontalement la part d'elle-même qui la freine, lançant une réflexion universelle : « Suis-je mon pire ennemi ? ».

​Loin de se laisser submerger par cette vulnérabilité, elle transforme ce constat en un acte de résilience. Ebony Riley y affirme avec force sa volonté de reprendre les rênes de sa vie : "je me fais passer en premier / Je brise la malédiction".​

De l'épreuve à la pleine floraison

​"Beautiful Tragedy" agit comme le témoignage d'un parcours de transformation. L'artiste y relate les épreuves traversées pour se défaire de ses anciens schémas et devenir une version plus accomplie et sereine d'elle-même. ​Le disque suit une progression émotionnelle marquée : si le début est teinté de confrontations intérieures, la fin de l'album célèbre une véritable renaissance. Ebony Riley y apparaît pleinement épanouie, prête à rayonner et à embrasser sa nouvelle identité artistique et personnelle. ​

Avec ce premier album, Ebony Riley confirme qu'elle est une voix avec laquelle il faudra désormais compter sur la scène RnB contemporaine.

​La genèse : un huis clos créatif

​Alors que les incendies de forêt imposaient un climat d'apocalypse à Los Angeles au début de l'année 2025, le producteur et songwriter MarcLo s'est retrouvé au cœur d'un confinement singulier. Durant onze jours, isolé des fumées et du chaos extérieur, il a entrepris de transformer son studio en sanctuaire. De cette période d'incertitude est né "11 Days", un premier album qui fonctionne comme une réponse vitale à la crise environnementale.

​Une architecture sonore sans frontières

​Fort d'une expérience de "ghostwriter" pour des figures majeures telles que Chris Brown, Miley Cyrus ou le groupe BTS, MarcLo déploie ici une palette technique impressionnante. L'album refuse les étiquettes rigides, préférant une fusion fluide de plusieurs courants avec du RnB et du jazz pour l'assise rythmique et la texture. Du ​disco et de la pop pour l'énergie communicative. ​Cette absence de contraintes artistiques donne à l'œuvre une spontanéité rare, où chaque morceau semble avoir été capturé dans l'instant, sans le lissage habituel des grosses productions de studio.

​Analyse des chansons : du personnel à l'universel

​L'album alterne entre réflexions pragmatiques et envolées solaires. ​Dans "Muni", l'artiste interroge avec lucidité son rapport au succès financier. "Interest" et "Marvel" explorent les sphères de l'intime, entre gratitude familiale et fascination amoureuse. ​Le titre "Zoom Out" s'impose comme le manifeste philosophique de l'album, invitant l'auditeur à une prise de recul salutaire face aux angoisses du quotidien. ​Enfin, "September Baby" injecte une dose d'optimisme rythmique, s'affirmant déjà comme l'un des titres les plus fédérateurs du projet.

MarcLo déclare : ​« cet album a été créé dans le seul but de réconforter mes proches touchés par les sinistres de 2025. Je souhaitais que ces onze jours de création se transforment en un sentiment d'apaisement pour ceux qui l'écoutent ».

Verdict

​Avec "11 Days", MarcLo réussit le pari de transformer une situation de crise en un objet d'art lumineux. Ce premier album complet ne se contente pas de démontrer son savoir-faire technique ; il révèle une identité artistique solide, capable de transformer l'isolement en une expérience collective et inspirante.

​Redéfinir les codes du RnB

​Dee Joyce a grandi avec les sonorités sensuelles et les harmonies chaudes du RnB, mais il a aussi perçu les limites de ce genre, trop souvent cantonné à des récits hétéronormatifs ou à l'esthétique des relations toxiques. ​Avec "L'heure d'aimer", l'artiste opère une réappropriation nécessaire. On retrouve l'ADN du genre qu'il chérit tant. Il brise les rôles figés pour célébrer la diversité des expériences amoureuses. Dee Joyce raconte sa vérité, loin des clichés, en insufflant une dimension pop moderne et rassembleuse.

​Un voyage intime et collaboratif

​Pour porter ce projet ambitieux, Dee Joyce s'est entouré de talents qui partagent sa vision de l'excellence et de la sensibilité, notamment Sandy Duperval et Irdens Exantus. Ensemble, ils tissent une toile sonore où chaque note semble au service du message. ​L'album est aussi le miroir d'un parcours personnel profond. L'artiste ne se contente pas de chanter l'amour idyllique ; il explore les zones d'ombre pour mieux atteindre la lumière.

​« Cet album retrace aussi mon évolution en tant qu'homme. J'y porte les traces de mes blessures, de mes traumas et des silences que j'ai longtemps gardés. Après m'être perdu, j'ai choisi de prendre le temps de me retrouver, de me reconstruire, afin de m'offrir enfin une véritable chance d'aimer à nouveau. » — Dee Joyce.

Pourquoi faut-il l'écouter ?

"​L'heure d'aimer" est l'album de la maturité. En 10 titres, Dee Joyce réussit le pari de nous faire danser, vibrer et réfléchir. C'est une œuvre qui soigne les cœurs tout en bousculant les esprits, prouvant que le romantisme est plus puissant lorsqu'il est ancré dans la réalité et l'acceptation de soi.

​Une "Hannah Montana" des temps modernes

​Le parcours d'Ainjo est tout sauf conventionnel. C'est en 2018, alors qu'elle servait encore dans l'armée, que sa trajectoire musicale prend son envol. Pendant des années, elle a jonglé avec une dualité fascinante :

​Le jour : une carrière rigoureuse de marin, dédiée au service et à la discipline.

​La nuit : une artiste RnB émergente, peaufinant son identité sonore dans l'ombre des projecteurs.

​Après 10 ans de loyaux services, Ainjo a récemment quitté l'uniforme pour se consacrer à 100 % à sa passion. Son style ? Un RnB sophistiqué, infusé de jazz et teinté de soul, qui reflète la maturité et la profondeur de son vécu.

​"Chapstick Rick" : quand la réalité dépasse la fiction

​Son titre "Chapstick Rick" ne laisse personne indifférent. Derrière ce nom intrigant se cache une anecdote personnelle aussi authentique que déconcertante. Bien loin des clichés du RnB romantique et lisse, la chanson raconte une "histoire vraie" qui a tourné court.

​« C'était un homme vraiment gentil, se souvient Ainjo. Nous avons eu quelques rendez-vous, tous meilleurs les uns que les autres ».

​L'histoire atteignait son apogée lors d'un dernier rendez-vous où tout semblait aligné : l'ambiance, l'alchimie, les gestes... Jusqu'à un rebondissement inattendu (et resté secret dans les paroles) qui a instantanément brisé le charme.

Une artiste à suivre

​Avec "Chapstick Rick", Ainjo prouve qu'elle possède ce don rare de transformer les moments gênants de la vie en pépites musicales. Elle capture la tragédie comique des rencontres modernes avec une voix suave et des arrangements jazzy qui font désormais sa signature.

​Ainjo n'est plus la chanteuse secrète de la Navy ; elle est aujourd'hui une voix incontournable de la scène RnB de San Diego, prête à conquérir le monde.

​L'Amour-propre au centre des projecteurs

​"Lights On" ne s'écoute pas seulement ; il se ressent. Ce titre s'impose comme un véritable hymne à la force, à la confiance et à l'affirmation de soi. À travers une voix chaleureuse et habitée, la chanson dépeint le portrait d'une femme qui embrasse pleinement sa lumière intérieure, mariant avec élégance douceur et puissance. ​Loin des clichés des chansons d'amour traditionnelles, "Lights On" se veut un manifeste de l'amour de soi. C'est un titre audacieux qui encourage à briller sans complexe, porté par une rythmique suave et entraînante qui fusionne avec brio la soul moderne et la pop contemporaine.

​Lucky Roll : la vision de Marcus Dre

​Derrière le projet Lucky Roll se cache une histoire personnelle profonde. Initialement né d'un personnage créé en hommage à la mère disparue de Marcus Dre, le projet a muté pour devenir un laboratoire artistique nourri par l'observation humaine. ​L'artiste ne se contente pas de produire ; il sculpte une émotion.

​Dans ce processus créatif, Marcus Dre reste le seul maître à bord :

​Composition intégrale : Il définit chaque mélodie, chaque structure et chaque ambiance. ​

Une technologie au service de l'art : Si l'intelligence artificielle est présente, elle n'est qu'un outil de réalisation, un pinceau moderne pour concrétiser une vision humaine. L'IA n'est jamais l'auteur ; elle est l'instrument qui permet d'explorer de nouvelles textures sonores.

​Un mélange des genres maîtrisé

​Mêlant pop et RnB, Lucky Roll privilégie le groove et l'émotion pure. En jouant la carte de la transparence sur ses méthodes de production modernes, le projet s'inscrit parfaitement dans l'ère du temps tout en gardant une âme authentique et organique. ​Avec "Lights On", Lucky Roll prouve que la technique, lorsqu'elle est guidée par une sensibilité sincère, peut accoucher de moments de grâce musicale. Un titre à découvrir de toute urgence pour quiconque cherche une bande-son à sa propre émancipation.

​Un nom comme une promesse

En turc, Tansu évoque cette lumière douce qui effleure l'océan juste avant l'aurore. C'est exactement ce que propose l'artiste : une musique de transition, de nuances, à la fois apaisante et révélatrice. Née d'un métissage culturel entre la Turquie et l'Irlande, et après avoir navigué entre Londres et le Connecticut, c'est à New York que l'auteure-compositrice-interprète a trouvé son ancrage depuis treize ans.

​Évoluant avec aisance entre le monde de la mode et celui des studios d'enregistrement, Tansu considère chaque vêtement et chaque note comme une extension de son art de la scène.

"Downtown" : l'anatomie d'une réconciliation

​Disponible sur Little Planet Records, le label de Dave Rublin (membre d'American Authors), "Downtown" marque un tournant décisif dans la carrière de l'artiste. Fruit d'une collaboration de longue date avec Dave Rublin, rencontrée sur les bancs de l'université, ce titre est une plongée dans la psyché d'une femme moderne jonglant avec l'intimité et la fierté. ​Le morceau est né d'une étincelle paradoxale : une dispute amoureuse.

​« C'était bizarre, parce que je gérais la dispute avec une nonchalance passagère ; un peu comme si je me disais : "T'inquiète pas, chéri, je ne t'ai jamais vraiment aimé », confie Tansu.

​Le titre explore cette capacité très contemporaine à masquer la profondeur de ses sentiments derrière une façade d'indifférence. Entre rythmes percutants et synthés envoûtants, on y retrouve l'influence de figures iconiques comme SZA, The Weeknd ou Beyoncé.

​De Bushwick au mariage : une histoire authentique

​L'authenticité de Tansu transparaît particulièrement dans l'écriture du pont de la chanson, véritable carnet de bord d'une nuit de dérive à Brooklyn. Après une session studio intense et frustrante, direction le bar Three Diamond Door à Bushwick pour chercher l'oubli dans la danse et l'attention des inconnus.

​Pourtant, "Downtown" raconte surtout la vérité du cœur : malgré la tentation de la fuite, c'est vers l'être aimé qu'elle revient toujours. Pour la petite histoire, la réalité a rattrapé la fiction de la plus belle des manières : le couple au centre de cette dispute créatrice s'est officiellement marié.

​Une présence scénique incontournable

​Avec "Downtown", Tansu ne livre pas seulement un titre entraînant ; elle pose la première pierre d'un projet plus vaste avec Dave Rublin, promettant de redéfinir les contours de la pop-soul actuelle.