Un parcours sans faute

Le grand public le découvre surtout avec Tony! Toni! Toné!, groupe qu'il cofonde à la fin des années 80 avec son frère D'Wayne Wiggins et leur cousin Timothy Christian Riley. Le trio marque son époque avec "Feels Good", "Anniversary" ou encore "It Never Rains (In Southern California)". À ce moment-là, le RnB américain bascule vers des productions plus lisses/mainstream, mais Tony! Toni! Toné! garde une chaleur nourrie de funk et de soul classique. Plus tard, il poursuivra avec Lucy Pearl, un supergroupe formé avec Dawn Robinson et Ali Shaheed Muhammad. Un projet bref, mais devenu culte pour beaucoup d'amateurs de soul/RnB du début des années 2000.

L'homme derrière les groupes

Là où Raphael Saadiq prend une autre place, c'est surtout en studio. On retrouve son nom auprès de D'Angelo, notamment autour de "Untitled (How Does It Feel)", morceau devenu un classique. Plus tard, il joue un rôle important dans la construction de "A Seat at the Table" de Solange, avant d'apparaître dans les crédits de "Renaissance" de Beyoncé, notamment sur le titre "Cuff It". En solo, Raphael Saadiq a aussi construit une œuvre cohérente. "Instant Vintage", "Ray Ray", puis "The Way I See It" montrent un artiste profondément attaché à la soul américaine, sans tomber dans une simple reproduction nostalgique. Il ne copie pas une époque révolue, il parle son langage. Et c'est sans doute ce qui explique sa longévité. Raphael Saadiq n'a jamais été l'artiste le plus exposé de sa génération, mais peu de musiciens peuvent revendiquer une empreinte aussi marquante et durable sur le RnB moderne.

Un parcours lié aux transformations de la musique

Avant Believe, Henri Jamet passe par Universal Music Group puis par NRJ Group. Au milieu des années 2000, il rejoint Wagram Music et participe au développement du label Cinq7. À cette période, la structure accompagne des artistes comme Oxmo Puccino ou Philippe Katerine. Son parcours traverse aussi plusieurs changements majeurs de l'industrie : la baisse du CD, l'arrivée du téléchargement puis l'explosion du streaming. Il rejoint Believe en 2013. Au fil des années, il prend la tête de plusieurs structures du groupe comme AllPoints, Morning Glory, Naïve ou encore Animal63.

Believe et la place prise par le rap

C'est surtout à travers AllPoints que son nom devient associé à une partie importante du rap français actuel. Le label accompagne plusieurs artistes majeurs de la scène urbaine, comme Heuss L'Enfoiré, Djadja & Dinaz, Kalash Criminel, Sneazzy ou encore Werenoi. Son parcours croise aussi une partie de la scène marseillaise autour de Jul, Naps ou des projets collectifs comme 13'Organisé et Classico Organisé. Cette période correspond aussi au moment où le rap indépendant prend une place énorme dans les classements français et sur les plateformes de streaming.

Une approche tournée vers les artistes

Henri Jamet défend une vision assez directe du métier : rester connecté aux artistes et à leur univers. L'image, les plateformes, les réseaux sociaux ou la façon dont un artiste construit son identité occupent aujourd'hui une place centrale dans le développement d'un projet. Cette logique correspond aussi à l'image de Believe, souvent associée à une approche plus souple et plus proche des artistes indépendants que les majors traditionnelles.

Un rôle discret, mais central

Henri Jamet reste peu exposé publiquement malgré son poids dans le paysage musical français actuel. Son parcours accompagne une partie des changements qui ont transformé le rap français et sa manière d'être produit, distribué et développé. Aujourd'hui, il fait partie des profils qui participent directement à la construction des carrières d'une grande partie de la scène urbaine française.

Du hip-hop à l'industrie du live

Avant de piloter des tournées internationales, Angelo Gopee vient du terrain. Dans les années 80, il évolue dans les premiers cercles du hip-hop en France avec la danse, les soirées et l'organisation d'événements. Un parcours qui éclaire sa manière d'aborder le métier : le concert est un espace vivant, pas simplement un produit. Avec le temps, il se consolide dans la production de spectacles, jusqu'à prendre la tête de Live Nation France en 2009. Derrière lui, Live Nation s'est installé comme un acteur incontournable du live. En France, le groupe est impliqué dans une grande partie des tournées majeures, des salles intermédiaires jusqu'aux stades.

En 2025, l'entreprise participe à 9 des 17 concerts organisés au Stade de France. Un indicateur parmi d'autres, mais qui donne une idée de son poids dans le secteur. Ce qui ressort aujourd'hui, c'est la place prise par la musique urbaine. Le rap, le RnB ou encore les sonorités afro ne sont plus périphériques, ils remplissent les grandes salles. Dans les prochains mois, plusieurs dates viennent illustrer cette tendance : Ne-Yo et Akon à l'Accor Arena le 12 mai 2026, Aya Nakamura sur trois soirs fin mai au Stade de France, Kalash en juin (Paris La Défense Arena), Kaytranada (Accor Arena, Paris) quelques jours plus tard, sans oublier, The Weeknd à Lille, Paris, Nice et Bruno Mars au Stade de France.

Une véritable expérience scénique

Dans ses prises de parole, Angelo Gopee insiste sur une évolution : le concert a changé de dimension. Scénographie, mise en scène, narration... les artistes arrivent désormais avec des propositions complètes, pensées comme des spectacles à part entière. Une transformation particulièrement visible dans le rap et le RnB. Derrière cette évolution, il y a aussi une réalité qui s'explique par des coûts en hausse, une logistique plus lourde et un équilibre à trouver entre production et accessibilité de la part du public.

Une influence sans exposition

Chez Angelo Gopee, il y a une idée qui revient souvent : le live est avant tout une industrie humaine, pas une machine froide. Produire un concert, même à grande échelle, ça reste un pari. Il y a une part de risque et une dépendance totale du bon vouloir du public. Dans sa façon de voir les choses, le concert ne doit pas être un produit standardisé. Cela doit être une réponse directe à une demande : celle de voir des artistes sur scène, qu'ils soient déjà installés ou en train d'émerger. Il insiste aussi sur le fait que la croissance du live ne doit pas être perçue comme une domination. C'est une évolution naturelle du marché, portée directement par le public lui-même. Il explique que la musique s'est notamment transformée avec le digital et que le concert est devenu le point de rencontre réel. Une forme de retour au concret dans une industrie de plus en plus dématérialisée.

​L'architecte du "Premier sur le Rap"

​Rien ne prédestinait ce Parisien, entré comme stagiaire à la fin des années 80, à devenir le pivot d'une culture de rue dont il n'est pas issu. Mais Bouneau possède un flair chirurgical. En 1996, face à une concurrence féroce sur la bande FM, il prend un pari risqué : transformer une radio généraliste en temple du hip-hop. ​Le succès est immédiat. En quelques années, "Sky" devient le passage obligé. De l'ascension de IAM et NTM à l'explosion de Booba ou Jul, Laurent Bouneau a validé les playlists qui ont rythmé la jeunesse française de ces trois dernières décennies.

​Un pouvoir qui divise

Mais être le "gardien du temple" ne se fait pas sans heurts. Dans un milieu où l'authenticité est reine, son image de cadre en costume-cravate tranchant sur le succès des artistes agace. Il est celui qui peut transformer un titre en tube national ou, au contraire, laisser un talent dans l'anonymat des ondes. ​"Je ne suis pas un critique musical, je suis un programmateur. Mon but, c'est l'audience et l'air du temps," aime-t-il rappeler. ​Ses joutes verbales avec certains rappeurs (notamment Booba) sont devenues légendaires, illustrant la tension permanente entre la "rue" et le "business". Pourtant, même ses détracteurs lui reconnaissent une chose : sans sa ténacité, le rap n'aurait peut-être pas acquis cette place de musique numéro 1 en France.

​L'adaptation comme survie

​À l'ère du streaming et d'algorithmes tout-puissants, Laurent Bouneau n'a pas lâché le morceau. Il a su digitaliser la marque Skyrock, faisant de l'émission Planète Rap un contenu viral sur YouTube et les réseaux sociaux. ​Malgré les critiques sur une playlist parfois jugée trop "formatée", Laurent Bouneau reste ce chef d'orchestre imperturbable. Il continue de scruter les chiffres, d'écouter les maquettes et de décider, chaque semaine, de ce que la France fredonnera demain.

​L'ascension d'une stratège de l'ombre

​Rien ne prédestinait forcément cette native d'Epinay-sur-Seine à devenir la tour de contrôle des plus grosses carrières urbaines. Pourtant, son parcours est un sans-faute stratégique. Après avoir fait ses armes chez Columbia, elle rejoint l'aventure Def Jam France (Universal). C'est là qu'elle va véritablement marquer l'histoire de la musique en accompagnant l'explosion de phénomènes comme SCH, Kaaris ou encore Koba LaD. ​Sa force ? Une compréhension totale de l'écosystème. Pauline Duarte ne se contente pas de signer des contrats ; elle bâtit des images, gère des egos complexes et anticipe les tendances avant qu'elles ne deviennent la norme.

​Le saut chez Epic : le défi du leadership

En 2020, en pleine pandémie, elle prend un tournant décisif en acceptant de diriger Epic Records France. C'est une première : une femme noire accède à la direction d'un label majeur de cette envergure en France. Sous son impulsion, le label devient un laboratoire de succès, propulsant des artistes comme Gazo, le roi de la drill française, au sommet des charts.

​"Elle a ce mélange rare de rigueur corporate et de flair de rue", confie un proche de l'industrie. "Elle parle le langage des artistes autant que celui des chiffres".

Le sacre de la "drill" et l'ascension de Gazo

​Le coup de maître de Pauline Duarte chez Epic reste sans conteste la signature et l'accompagnement de Gazo. Alors que la drill (un sous-genre du rap sombre et rythmé) était jugée trop "niche" par certains, elle y a vu le futur de la pop française.

​La stratégie : transformer une musique de rue brute en un produit capable de dominer les festivals et les radios.

​Le résultat : Gazo est devenu l'un des artistes les plus streamés de France, multipliant les certifications de diamant. Pauline a su entourer l'artiste d'une structure marketing de luxe, tout en préservant son authenticité.

Le phénomène Ronisia

Pauline Duarte a également joué un rôle déterminant dans le lancement et l'ascension de la carrière de Ronisia en étant la première à parier sur la jeune artiste. Elle a supervisé le développement de son image et de sa direction artistique, transformant le succès viral du titre "Atterrissage" en une carrière solide et durable.

​Une icône de la représentativité

​Au-delà des certifications de platine et des milliards de streams, Pauline Duarte est devenue, malgré sa relative discrétion médiatique, un symbole. Elle incarne une nouvelle génération de dirigeants : plus diversifiée, plus à l'écoute et résolument tournée vers l'avenir. Elle n'hésite pas à prendre la parole sur la place des femmes dans l'industrie, encourageant une transmission nécessaire pour que son cas ne soit plus une exception, mais une règle.

Alors que le rap domine plus que jamais les classements, Pauline Duarte reste la main invisible qui guide les succès de demain. Entrepreneuse dans l'âme et passionnée de musique avant tout, elle prouve que dans le "game", le vrai pouvoir appartient à ceux qui savent écouter.

​Un style en constante mutation : du boom-bap à la maturité acoustique

Si Diam's avait continué, il est fort probable qu'elle aurait délaissé les tubes ultra-énergiques comme "La Boulette" pour un style plus introspectif et organique.

​L'évolution musicale : On l'imaginerait bien s'éloigner des boîtes à rythmes pour des arrangements proches du jazz ou de la soul, à la manière d'une Lauryn Hill à la française. Ses textes, déjà profonds, auraient gagné en philosophie et en recul social. ​

Les textes : À l'image de son dernier album "SOS", elle aurait sans doute privilégié le fond sur la forme, devenant une sorte de "grande sœur" du rap, traitant de la santé mentale, de la maternité et de la quête de sens dans un monde ultra-connecté.

​Les collaborations de rêve : le pont entre les générations

Diam's a toujours été une artiste de "connexions". Dans le paysage actuel, ses featurings seraient des événements nationaux. Si elle avait fait des duos aujourd'hui. Dans la liste, il y aurait naturellement Damso sur un titre sombre et psychologique. Gazo et Tiakola pour une surprise mélodique, sans oublier Yseult avec un morceau piano-voix.

Une carrière de "patronne" et de mentor

​Si elle était encore dans le milieu, Diam's ne serait plus seulement une rappeuse. Elle occuperait probablement une place de productrice et de mentor. ​Elle aurait sans doute fondé son propre label pour propulser de jeunes talents féminins, offrant une structure saine à celles qui, comme elle à ses débuts, doivent se battre dans un milieu d'hommes. On l'imaginerait bien jurée iconique d'une émission comme Nouvelle École, apportant sa rigueur technique et son humanité.

Une icône, même dans l'absence

Même sans nouveaux albums, l'influence de Diam's reste omniprésente. Elle a ouvert la porte à toutes les rappeuses actuelles (Shay, Chilla, Lala &ce) en prouvant qu'on pouvait être une femme, vendre des millions de disques et rester crédible. Si elle rappait encore aujourd'hui, elle serait probablement la "Sage" du rap français, celle dont chaque mot pèse et dont le silence même est une performance.

Dans la réalité, Mélanie Georgiades a trouvé sa paix loin des projecteurs à travers sa foi et ses projets humanitaires. Son documentaire Salam (2022) reste le plus beau témoignage de sa transition.

Le Jardin du Michel est un festival de musique situé à Toul et Dommartin-lès-Toul, près de Nancy (Meurthe-et-Moselle). Pour sa 21e édition prévue les 22, 23 et 24 mai 2026, l’événement a programmé le groupe de rap Sniper. Mais cette décision de programmer ce groupe a créé un gros débat. C’est pourquoi, le 30 janvier 2026, la commission permanente de la Région Grand Est a décidé de suspendre provisoirement une aide de 90 000€ prévue pour le festival. Cette décision a été prise suite à des signalements d'élus d'extrême droite, parmi lesquels figure Laurent Jacobelli, conseiller régional et député du Rassemblement national (RN) pour la 8e circonscription de Moselle. L'élu a dénoncé des passages des titres "La France" et "Jeteur de pierres" du groupe Sniper, les qualifiant de « crachats sur la France » et de « propos antisémites ». Les paroles incriminées sont : « On nique la France sous une tendance de musique populaire », « S’faire dynamiter s’apparente à de la résistance », « Haine pour haine, balles perdues, et plus Palestiniens dans les rues, Israéliens dans des bus », « Pour une mission, exterminer les ministres et les fachos ». De plus, Laurent Jacobelli a accusé Sniper de s'en prendre aux forces de l'ordre.

Défense de l’organisation

Face à ces accusations, l’équipe du festival apporte des précisions juridiques. Elle rappelle que les textes visés datent de 2003 et que le groupe a été relaxé en appel à l’époque, la justice concluant que les morceaux “relevaient de la liberté artistique et de la critique sociale”. L’organisation souligne également l’absence de procédures actuelles : “Sniper n’est à ce jour visé par aucune plainte, ni condamné pour aucun motif que ce soit.” Le festival justifie son choix artistique en décrivant Sniper comme un “groupe emblématique de l’âge d’or du rap français” et affirme que cette présence “contribue à l’identité artistique et à la singularité du festival, sans générer de comportements violents”.

Programmation maintenue

Malgré l’incertitude financière liée à ce report, la direction du Jardin du Michel a décidé de ne pas modifier sa programmation. Elle invoque le respect de l’État de droit et de la loi LCAP de 2016 sur la liberté de création : “Le Jardin du Michel continue de préparer son édition 2026 avec vigueur et conviction et maintient la programmation du groupe Sniper jusqu’à nouvel ordre.” Le communiqué conclut en réaffirmant que l’édition se tiendra aux dates prévues sur le site de Toul/Dommartin-lès-Toul, “fidèle à son engagement pour une programmation ouverte, responsable et artistique”.

L’expérimentation en famille

C’est dans cet isolement qu’elle a affiné cette esthétique singulière, loin des regards et des jugements, transformant sa chambre en un laboratoire d’expérimentation. Mais contrairement à beaucoup d’artistes qui cherchent des mentors extérieurs, Théodora a trouvé son alter ego chez son frère, Jeez Suave. De son vrai nom Jean-Joseph Mbangayo Mbaka, il est plus qu’un simple compositeur, il est un véritable directeur artistique, celui qui a su transformer les inspirations électriques de sa soeur en un genre musical à part entière. Dès le début des années 2020, le duo fonctionne en milieu fermé. Lui à la production, elle à l’écriture et au chant. À cette époque, elle n’est qu’une étudiante qui partage ses “outfits” et ses morceaux sur les réseaux. Elle se définit comme une fille “alternative”, attirée par une esthétique plus sombre et rock que les standards du RnB français. C’est aussi à ce moment-là qu’elle forge son identité de “fille bizarre”, loin des stéréotypes imposés aux jeunes femmes noires dans l’industrie.

L’ovni « Kongolese sous BBL »

Le véritable “phénomène” Théodora commence avec un séisme sonore : “Kongolese sous BBL”. Sorti en 2024, le morceau est un ovni. Il mélange l’énergie brute du bouyon qui est une rythmique dominicaine, avec des textes qui jouent sur l’ego-trip et l’identité. Selon le rapport annuel du SNEP 2024, le titre devient l’un des sons les plus utilisés sur TikTok en Europe francophone, propulsant le morceau au rang de single d’or en un temps record. C’est une musique de club ultra-efficace portée par une image de “Boss Lady” impériale, presque distante. Elle ne cherche pas à plaire, elle impose. Mais cette ascension fulgurante s’accompagne d’une vague de critiques sans précédent. Sur les réseaux sociaux, on moque son articulation, son style vestimentaire audacieux ou l’arrogance de ses textes. Ce phénomène de rejet, souvent analysé par des médias comme l’Humanité ou Le Monde, est le miroir de celui vécu par Aya Nakamura quelques années plus tôt, une difficulté d’une partie du public à accepter une femme noire qui dicte ses propres règles. Sa réponse à cela ? Le travail. Elle enchaîne avec l’EP "Lili aux paradis artificiels", puis son premier album studio “Mega BBL”. Elle y diversifie ses sonorités, prouvant qu’elle peut kicker sur du rap pur comme sur des ballades mélodiques.

L'année de la consécration

En novembre 2025, le magazine GQ France la nomme “Femme de l’année”. Ce n’est plus seulement la chanteuse à succès que l’on célèbre, mais l’icône de mode et la figure de proue d’une génération qui refuse les étiquettes. Son entrée dans le jury de la saison 5 de Nouvelle École sur Netflix, début 2026, finit d’asseoir son autorité. Elle y apporte un regard neuf, axé sur la direction artistique globale plutôt que sur la simple technique de rap. Aujourd’hui, alors que nous sommes en janvier 2026, Théodora est au sommet. Avec 5 nominations aux Victoires de la Musique, dont le Meilleur Album et Chanson de l’année, elle est la grande favorite de la cérémonie qui se déroulera le 13 février 2026. Ses concerts aux quatre coins de la France, tous complets, prouvent que son style musical plaît, et que tout son dur labeur a payé.

Par : Bérénice Kbidi

Une question de perception

Ensuite, il y a une recherche d’authenticité et de rituel. Écouter un disque demande du temps, de la patience, et transforme la musique en expérience plutôt qu’en simple fond sonore. Ce rapport plus attentif séduit une partie de la population qui souhaite se démarquer d’une consommation machinale et presque artificielle de la musique sur les plateformes. Le vintage, c’est aussi un marqueur identitaire et culturel : à travers le retour du vinyle ou de la cassette, les jeunes renouent avec un héritage musical et s’inscrivent dans une histoire qui dépasse leur génération. La musique transcende les âges et les clivages générationnels. Et le vinyle y est pour quelque chose. Enfin, il ne faut pas négliger la dimension sociale : offrir, collectionner ou partager des vinyles crée du lien, là où le streaming reste personnel et solitaire. Autant de raisons qui expliquent pourquoi ces formats, longtemps délaissés, trouvent aujourd’hui une nouvelle jeunesse. Les jeunes écoutent en streaming, mais c’est souvent le vinyle qu’ils posent fièrement sur leur étagère.

« C’était mieux avant »

Le retour de ces sonorités est aussi le fruit d’une culture nostalgique : les artistes d’aujourd’hui, qui ont grandi en écoutant Usher ou Alicia Keys, revendiquent cet héritage et le réinterprètent pour leur génération. Enfin, les réseaux sociaux, en particulier TikTok, jouent un rôle clé en remettant au goût du jour des tubes de l’époque et en inspirant les producteurs. Ce revival n’est donc pas seulement un effet de mode : il révèle un besoin de revenir à une musique plus émotionnelle, où la voix et la mélodie occupent à nouveau le devant de la scène. Le RnB des années 2000 n’a jamais vraiment disparu, mais il s’offre aujourd’hui une seconde vie, plus actuelle que jamais. Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme…

Après avoir explosé aux yeux du monde grâce à ses tubes "Day in the life" et "Loading", le rappeur nous sert un disque qui valait le coup d’attendre. La galette comporte des featurings notables, avec l’unique 21 Savage et Skepta notamment.

Ces collaborations ne laissent plus aucune place au doute. Central Cee est devenu en quelques années seulement, un artiste absolument incontournable de la scène britannique moderne, et du rap mondial.

Fort de cette ascension fulgurante, l’artiste se livre à une introspection sur soi-même, qui ne laisse pas indifférent les fans, habitués à un registre beaucoup plus ostentatoire et spectaculaire. Avec des titres tels que "Limitless" ou "5 Star", le natif de Londres se confie sur la partie immergée de son iceberg : Ce que nous ne voyons pas concernant sa vie, et surtout son rapport à la célébrité, qui est quelque chose de relativement récent pour lui. Ces titres apportent une toute nouvelle dimension au registre musical proposé par Central Cee, ce qui lui permettrait potentiellement de s’approprier un plus large auditoire, sensible à ce genre de morceaux introspectifs et personnels.

Une masterpiece

Dans l’idée, cet album reste bien évidemment fidèle à l’identité musicale toute particulière du rappeur. L’opus s’écoute tout seul et les 17 titres de sa tracklist semblent s’écouler comme si Central Cee nous parlait en tête-à-tête de ce qu’il sait faire de mieux. Enfin ça, c’est ce que dirait un fan incontesté de la star. Plus objectivement, il y a quelques longueurs comme une redondance de la musicalité et des sonorités, mais rien ne vient altérer le prestige d’un grand Central Cee, en plein dans son art, qui sait où aller et comment. On le sent plus mature, au point d’oser se confier parfois, au milieu de ses titres phares où il arrive à ne pas se laisser manger par le génie de ses invités prestigieux.

On retiendra donc "Can’t Rush Greatness" comme un point clé de la carrière du rappeur londonien, et un album finement concocté qui a sa place dans les grands projets de la drill britannique moderne.

D’enfant prodige à star internationale

Enfant prodige et habitué des pièces de Broadway, Leon Thomas III commence sa carrière dès l'âge de 10 ans dans la pièce de théâtre “Le Roi Lion” mais aussi de “La Couleur Pourpre”. Il va par la suite décrocher le rôle d’André dans la série Victorious aux côtés d’Ariana Grande, et déjà il se démarque grâce à son charisme inné mais aussi par son talent indéniable. Après la série, il enchaîne des petits rôles à la télévision, notamment dans le show Insecure, puis se consacre entièrement à la musique. Signé aujourd’hui chez Motown Records, Leon Thomas compte à son actif trois projets : Genesis (2018), réalisé sous le label Columbia Records, Electric Dusk (2023) et Mutt (2024) mais ce n’est pas tout, il co-écrit le fameux hit international "Snooze" de SZA et écrit pour Ariana Grande, Drake ou encore Kanye West. Il remporte même le Grammy de la meilleure chanson rap pour sa collaboration sur le morceau “Gold Roses” de Rick Ross en featuring avec Drake. Ces collaborations ont renforcé sa réputation en tant que producteur innovant, capable de naviguer entre les genres tout en apportant une signature unique à chaque projet.

Artiste au style distingué

Toujours à la recherche de nouveauté, Leon Thomas III joue de son talent et propose des sorties toutes aussi audacieuses que expérimentales. Son dernier opus “Mutt” témoigne de son évolution artistique et de sa capacité à fusionner différents genres musicaux. Multipliant les collaborations sur son dernier album : Masego, Ty Dolla $ign ou encore Baby Rose, l’artiste propose des contenus recherchés et uniques. Avec son engagement à explorer de nouveaux territoires sonores tout en restant fidèle à son essence musicale, Leon Thomas III semble prêt à continuer de surprendre et d’innover dans les années à venir. Son parcours, entre acteur et artiste, démontre qu’il est capable de s’imposer comme une figure incontournable du paysage musical, avec une voix à la fois douce et puissante, mais aussi une vision unique de la musique contemporaine. Ce qui renforce l’engouement de ses fans les plus fidèles - et le nôtre aussi.

Artiste à la fois éclectique et fidèle à ses racines, Leon Thomas III est bien plus star de la télévision, il mérite d’être entendu et suivi.  C’est le cas en tout cas de Soul-Addict, et on attend avec impatience une tournée mondiale, et bien sûr un passage sur Paris !

Chez Universal Music

C'est à 17h30 que les portes d'Universal Music s'ouvrent pour nous accueillir. Dans une ambiance détendue, le match France – Pologne est projeté aux invités qui arrivent au fur et à mesure, impatients de découvrir le projet de l'artiste. C'est pendant la mi-temps que Vegedream fait sa première apparition. Il explique qu'afin de promouvoir son nouvel album, il a tenu à réaliser une web-série digne d'une production hollywoodienne qu'il nous présente avec engouement.

Dans la première vidéo, « Chapitre 1 - Kelsi », l'artiste se met dans la tête d'une jeune femme, Kelsi, trompée et ivre de vengeance. Dans « Chapitre 2 – Kévin », Vegedream raconte l'homicide commis par cette même femme, mais cette fois-ci, il se place du point de vue de Kévin, l'homme infidèle. La dernière vidéo est un peu différente : cette fois-ci, Vegedream est en consultation chez ce qui semble être un psychologue. Il continue de raconter l'histoire de Kelsi et Kevin, et les titres de son album sont dévoilés au fur et à mesure. Le nom du projet est dévoilé, il se nomme « De l'autre Côté ».

Vegedream explique : « j'ai souhaité nommer mon album comme cela parce que je me suis concentré sur le sentiment amoureux mais sur un axe différent. C'est le meilleur album pour moi ». Il ajoute : « Je vous laisse finir le match et on passe à l'écoute de l'album ».

Un peu plus de quarante-cinq minutes plus tard, la listening party débute. Vegedream charge le public d'une mission de la plus haute importance : les invités doivent déterminer quels sont leurs morceaux préférés afin de participer à un sondage. Chez Soul-Addict, le titre « Baby Mama », le sexy « Daddy » et le festif « Y'a pas de galère » arrivent en haut du tableau. Mention spéciale pour la sublime balade du nom de « Mon amour », dans laquelle l'artiste s'exclame : « si un homme est assez courageux pour nous séparer, faudra qu'il passe sur moi, faudra me tuer ».

Dans son ensemble, « De l'autre Côté » est un projet aux couleurs majoritairement afro/RnB. Vegedream fait ce qu'il sait faire de mieux : animer les foules, chanter l'amour et la fête. Pour l'accompagner, il convie la chanteuse Nej', la Londonienne La Familia, les rappeurs Kaaris, Kerchak et Didi B, et les loveurs notoires Singuila et Warren Saada. Dans la salle pleine à craquer, certains invités connaissent déjà la plupart de la tracklist par cœur.

Si la date de sortie de l'album demeure un mystère, le prince de Ganoa nous assure qu'une tournée est prévue si son public répond présent. On a hâte d'y assister !

[PHOTOS] • Hier soir, Soul-Addict était à la #ListeningParty du prochain album de @VegedreamGagnoa à #Paris ????????????

???? Océane Hegesippe pic.twitter.com/d9gD5hFvmj

— Soul-Addict (@_SoulAddict) June 26, 2024

Joey Mata 

Il s’agit de son troisième album studio et sa sortie était très attendue. Joey Mata artiste français nous sort "Introspection : Chapitre I", un projet composé de 16 titres, un bon mélange de RnB, d’afro et de gospel. Nostalgique, cet opus au style RnB des années 2000 nous rappelle une époque que l’on chérit notamment avec les titres “Chill” ou encore “Désolé”. Bien exécuté, Introspection est une pépite qui promet une suite plus que prometteuse.  

Notre morceau favori : Motema

Renao

Renao est un artiste bangalore basé à Londres et dont l’identité musicale navigue entre le genre alt-RnB/ soul avec des inspirations indie folk mais aussi dans la pop funk. Bien intégré dans la sphère musicale, il sort en 2023 son premier EP "A SPACE BETWEEN ORANGE & BLUE" et en 2024, il nous drop une pépite “Pressure” dont on ne peut absolument pas se passer !

Notre morceau favori : Pressure

Kyana

Artiste française en pleine ascension, Kyana est définitivement à garder dans son radar. Répondant au style RnB/pop, Kyana de sa voix mielleuse s’installe aisément dans notre paysage musical. Elle perce avec le morceau “Mauvais Côté” issu de son tout premier EP "Luna" sorti en 2023. Et depuis, elle enchaîne collaborations à succès comme “Mauvais pressentiment” avec Raplume et YG Pablo ou encore “Sans Issues” avec Mademoiselle Lou. En 2024, elle sort son deuxième EP "Bonjour tristesse" composé de cinq titres qui comprend une version acoustique de “Ne m'en voulez Pas” plus douce que jamais.

Notre morceau favori : Problèmes d'adultes

Kima

Artiste originaire de la Martinique, Kima est déjà un artiste établi notamment dans la sphère de son île natale. Ayant comme mentor le seul et unique Kalash, il parvient à séduire son public, notamment avec les titres “Oh Baby”, “Papillon” ou encore “Toxic” dans lequel il sample le célèbre morceau de T-Pain “I’m Sprung”. Il sort en 2024, un opus "L’école des Stars" dans lequel il convie des invités de qualité : Gazo, JayO ou encore Kalash. Kima est un artiste qui fait déjà sensation et ce n’est que le début !

Notre morceau favori : Wifee

Zeina

La majorité des gens l'ont découvert sur TikTok notamment avec son titre phare “Hooked”, Zeina parvient à se créer une place immuable dans nos bibliothèque musicale. Originaire du Liban et ayant grandi à Montréal, cette artiste RnB/pop ajoute à sa musique des sonorités arabes, qui subliment ses différents titres notamment “Hot” ou encore “Problematic”. Zeina chante en anglais, en français et en arabe, cette chanteuse multiculturelle s’ancre entièrement dans ses morceaux et propose un contenu original. En avril 2024, elle sort son deuxième album studio "Eastend Confessions", sept ans après son premier opus "Odd One Out". Artiste à surveiller de très près, Zeina n’est pas prête à s’en arrêter là et promet de grandes choses !

Notre morceau favori : Take Me Down

Un girls trip

Dans une vidéo réalisée par l'ukrainienne Ganna Bogdan, Renée, Jorja et Stella partent à l'aventure à bord d'un SUV. Pendant ce girls trip, le trio chante, se filme mais surtout, il met en garde : si un homme ment, il est préférable qu'il ne se fasse pas prendre la main dans le sac : « You say you don't know that girl, so boy i'll take your word. Hope she don't get you caught up ».

Tout en étant dans l'ère du temps, notamment dans la conception des mélodies instrumentales, le son de FLO est grandement influencé par un RnB dont la structure est dite « classique ». Comme dans « Walk like this », « Caught up » est composé de 2 couplets et d'un bridge absolument sublime. Les tonalités changent, les voix s'harmonisent, se complimentent, et chacune des filles peut montrer ce dont elle est capable.

Cela fait maintenant quelques années que le groupe fait parler de lui. Stella, Jorja et Renée sont jeunes, belles, talentueuses et représentent avec justesse cette jeunesse mélomane et décomplexée. Néanmoins, malgré les différentes propositions sonores faites à ce jour, FLO ne parvient pas à s'exporter au-delà du Royaume-Uni. Le tout premier single du girl band « Cardboard Box » avait surpris par sa fraîcheur et son refrain entêtant. Depuis, seul le titre « Fly Girl » en collaboration avec Missy Elliott avait eu le potentiel de devenir un N°1 dans les classements UK, mais aussi dans ceux d'outre Atlantique, mais à cause d'une promotion trop légère, il n'en fut rien.

À l'annonce de leur premier album dont la date reste encore inconnue, FLO nous offre donc « Walk Like this » et « Caught Up », deux morceaux plutôt bons, mais peut-être un peu faibles pour véritablement marquer les esprits.

FLO a l'étoffe d'un grand groupe. Il ne lui manque qu'un hit et un peu de chance pour réussir à faire la différence.